⦁ Turner, opere dalla Tate, Chiostro del Bramante, Roma, fino al 26 agosto. Una collezione davvero intima, con le opere conosciute oggi come ‘Turner Bequest’, molte delle quali provengono dallo studio personale dell’artista e sono state realizzate nel corso degli anni per il suo ‘puro piacere’ ,secondo l’espressione di John Ruskin.
La mostra gratuita Eva Kot’átková. The Dream Machine is Asleep all’Hangar Bicocca di Milano. L’opera di Eva Kot’átková indaga le forze che influiscono sul comportamento umano, come le norme e i sistemi educativi generare situazioni di controllo. La mostra presenta installazioni, sculture, collage e performances, dedicate al corpo umano visto come macchina e organo colto durante il sonno, mentre genera mondi interiori paralleli alla realtà.
L’indimenticabile testo ‘Saturno e la Melanconia’ di Erwin Panofsky è alla base della scelta del nome The Art Time , in cui il Tempo prevale certamente sulla Malinconia, ma è anche ad essa strettamente legato.
Sono due valori connessi. Il Tempo scorre, lascia tracce, l’Arte scalfisce e lenisce con le sue domande e le sue offerte, la Malinconia è connaturata all’uomo, che forse crea e colleziona per lo stesso motivo : fuggire quell’umor nero, quel sottile ‘piacere di esser triste’ connaturato alla natura precaria e mortale dell’essere umano .
Tempo e Malinconia erano in questo testo indagate riguardo l’uomo rinascimentale, centrato su di sé , ma anche piccolo di fronte all’eterno universo; questo sentimento è, ancora oggi, più vivo che mai .
Saturno muta e scorre e il senso di piccolezza è infinito. In ogni settore della conoscenza, medicina, psichiatria, storia, filosofia, religione, teologia, alchimia , arte, letteratura, gli studi su tempo e malinconia si sono intensificati, dall’uscita di questo testo, proprio perché sollevano questioni che sono fondamentali per l’uomo postmoderno.
Già nella modernità, il senso dell’ineffabilità e dell’annullamento di alcune categorie identitarie era indagato ed espresso.
E’ un filo rosso, il Tempo, che attraversa l’arte e la trattiene.
Malinconia in Arte non è tanto ansietà, tristezza o stanchezza; malinconia indica soprattutto, all’interno della suddivisione dei quattro umori aristotelici, uno stato d’animo temporaneo, dolcemente pensoso, ineffabile e nostalgico . E’ come il Nostos di Ulisse, che consisteva nel desiderare il ritorno a casa e nell’incessante desiderio di ripartire. E’ la malinconia della sera o dell’autunno o, come diceva Shakespeare, la ‘Malinconia di Moor-ditch’.
Il tempo è qualcosa che fugge, la nostalgia è il desiderio eterno, al di là dello spazio e del tempo, di imprimere un carattere di eterno ritorno a esperienze, momenti , domande, idee; un ritorno possibile attraverso le forme dell’Arte.
Melancholia I di Albrecht Durer è quel capolavoro di simboli misteriosi, matematica mischiata all’arte sublime rinascimentale, che svela questo tratto dell’artista: capo tra le mani, sguardo pensoso verso i misteri del mondo organico e inorganico, i misteri della vita, tout court .
Il tempo dell’Arte è quel tempo che permane, nonostante di base lui fugga . E’ il motivo per cui l’artista crea e il collezionista trattiene le idee eterne che chi crea gli consegna .
The Art Time è ispirato al tempo, che da Panofsky ha segnato il senso del ‘fare’ artistico.
L’aura è il charisma dell’artista , depositario di un’ idea, prima che di una technè , definizione greca dell’arte ancora valida ma non sufficiente.
Tecnica, ma soprattutto Idea. In ‘Teoria dell’arte’, Josè Jimenez spiega bene come l’Idea , la Noesis, il processo mentale sia alla base della maggior parte dell’arte novecentesca, sia la vera rivoluzione , più ancora dell’abolizione della prospettiva e della creazione dell’Astrattismo .
Scrive Andy Warhol (guru del Pop e emblema del rischio, secondo Arthur Danto, della fine dell’arte, con la sua ‘Brillo Box’, scatolone da supermercato, esposta in un Museo,) , in La filosofia di Andy Warhol:
“Alcune aziende erano interessate all’acquisto della mia Aura. Non volevano i miei prodotti, continuavano a dirmi : Vogliamo la tua Aura. …Non sono mai riuscito a capire che cosa volessero, ma sarebbero stati disposti a pagare un mucchio di dollari per averla. Ho pensato allora che se qualcuno era disposto a pagarla tanto, avrei dovuto provare ad immaginare CHE COSA FOSSE”.
No, l’Arte non è morta con la “Brillo box” esposta e l’Aura nemmeno, Danto ha ritrattato anni dopo, affermando che si trasforma, come un mutante, ma non muore. Warhol stesso ne parla, di questo mistero dell’Aura d’artista. Dissacrante, ironico e iconico.
Iconico, aggettivo chiave. L’Aura, questa ineffabile essenza d’artista, à la Man Ray o à la Piero Manzoni (quello era il fiato d’artista, ma sempre di respiro carismatico si tratta ), è sicuramente iconica. Fissa l’immagine carismatica della creatività artistica in un’idea. La Fontana di Marcel Duchamp, i baffi della sua Gioconda, Il Ferro da stiro con i chiodi ( oggetto minacciosamente erotico quanto quotidianamente inutile e pericoloso) di Man Ray, per fare solo alcuni esempi famosi.
Ma a voler bene guardare, il chiodo piantato nel bel mezzo della tela di George Braque ‘Brocca e Violino’ del 1909-10 era già , oltre che un oggetto vero e proprio parte di una tela bidimensionale (preludio agli oggetti cubisti successivi e soprattutto al salto dalla tela alla realtà tridimensionale di moltissima arte novecentesca e contemporanea), un ‘IDEA, con la sua aura iconica indiscutibile.
Gli esempi potrebbero essere infiniti , fino agli attuali Damien Hirst con le sue provocazioni iconiche fin dagli esordi , Jeff Koons con i suoi ‘Puppies’ e via dicendo.
I musei l’acquistano, i collezionisti la desiderano, il pubblico ne resta a volte sgomento, a volte attratto. Vende.
Per noi macchine desideranti, è l’oggetto del desiderio, un possesso materiale che nasconde e svela un possesso immateriale mille volte più potente, perché iconico, quasi divino nel suo pagano trasgredire la tradizione, l’idea di bello e di tutto ciò che era regola ( technè).
Walter Benjamin ha aperto il varco sul tema della possibilità dell’Aura di sopravvivere all’era della riproduzione tecnica artistica.
L’alone di unicità che avvolgeva l’opera classica o comunque tradizionale non trovava più corrispondenza nell’arte contemporanea, in cui l’Aura definisce l’attitudine di un’opera d’arte a produrre un dato effetto sul pubblico in termini simili a ciò che appunto in filosofia o sociologia ( si veda Max Weber) viene definito CARISMA .
Movimenti come Dada, Futurismo , Cubismo stavano intaccando ogni pretesa di ieraticità dell’arte, con gli oggetti incastrati sulle tele, poesie come ‘INSALATE DI PAROLE’, de-sacralizzazione dell’immagine e via dicendo .
-l’arte si de-sacralizza, anche per via di un pubblico sempre più vasto a partire dal XIX secolo ;
-questa sorta di de-sacralizzazione è potenziata dalla riproduzione meccanica delle immagini ;
-le Avanguardie, infine, determinano quasi il funerale dell’aura, con le loro ricerche di materiali e linguaggi che vengono dalla quotidianità. E’ l’esatto opposto di ciò che aveva fatto l’Arte fino a quel momento: sacralizzare, creare altari atemporali e non tollerare il transeunte.
In quel momento, con Salons e Musei, il pubblico si divide fra quello privato che colleziona e quello dell’arte pubblica e monumentale.
L’Aura di un’opera è l’effetto che produce, effetto che muta con il tipo di opera e la tipologia di pubblico .
Aura e Simulacro sono due termini avvicinabili, nell’arte contemporanea.
Il Simulacro deriva dal latino simulare e significa statua . In realtà, il Simulacro va ben oltre questo.
E’ un ente che va oltre un ‘Idea.
L’Arte, con la sua aura carismatica, classica o contemporanea che sia, ha sempre realizzato simulacri . Monna Lisa, ad esempio, la celeberrima Gioconda, non è né la vera dama di Firenze né la sua idea, anche se è entrambe le cose. Va però oltre : oltre la realtà e oltre l’idea, unita a noi attraverso quella carismatica particella detta Aura.
Si deve aggiungere un fatto tipico dell’arte oggi : la sua tendenza, come tutto in economia, a diventare BRAND . Un simulacro ‘brandizzato’, sponsorizzato, promosso sapientemente, ma non per questo meno potente. Oggi è il marchio stesso che vuole essere Arte, analizza acutamente Dal Lago.
Foucault, per chiudere questo veloce excursus sul carisma dell’idea nell’arte specie contemporanea, di cui The Art Time si occupa, ha ben compreso cosa sia questo Simulacro .
Per lui era la Pop Art l’Arte emblematica del nostro tempo, non a caso come scrisse anche Arthur Danto .
Dopo l’Idea nelle Avanguardie storiche, la Pop Art è ciò che di più potente ha rappresentato l’arte di questo tempo, un’arte capace di rendere al meglio il ruolo delle immagini nel nostro immaginario .
Il mondo è visto come una gigantesca raccolta di Simulacri. Sono tutti uguali , perché oggetti di uno scambio universale, e tutti diversi, perché come la vita variano di continuo, una sorta di superfetazione da supermercato dell’arte.
Siamo, oggi più che mai (più ancora che al tempo di Warhol, nel nostro tempo potenziato con Instagram , Pinterest e social vari) condannati alle immagini, a vivere di esse. Certo ci resta, per ora, la possibilità di scegliere fra loro.
L’Aura sopravvive perché l’Arte diviene sì nel tempo, sempre più mutante, ma in quanto Arte, permane.
Come il carisma è immateriale, ciò che resta è l’idea, i valori che ci trasmette, non l’oggetto in sé.
L’Arte per questo crea civiltà , sempre.
CONSULENTE D’ARTE ITALIA
Si è conclusa l’edizione 2018 della fiera di Basilea; arte, stile, mercato miscelati assieme ai massimi livelli di affluenza, attenzione e tendenza.
Quattro giorni di artisticità, creatività, immaginazione, vip collectors e mondanità. Arte versione DeLuxe.
Alcuni momenti artistici clou sono stati:
Alcune osservazioni in merito al mercato :
Art Basel non è una fiera, è un simbolo – evento centrale nel sistema dell’arte , così iconico da sovrastare persino il suo stesso contenuto. E’ brand, moda, sistema, cultura e , naturalmente, business.
(*) Il sole 24 ore , 24 giugno 2018, per le quotazioni delle opere; S.A.Barillà.
Per un consulente d’arte, un aspetto estremamente interessante è capire il mercato e districarsi fra i cambiamenti e le tendenze.
Fra gli articoli più interessanti letti sul mercato dell’arte, spicca quello in The art Newspaper di giugno . Qui Melanie Gerlis affronta il tema dell’economia globale in relazione alla chance dell’arte di prosperare e vendere . Perché l’arte, per poter continuare a creare idee , deve vendere. Ça va sans dire.
Il primo punto fermo della sua analisi è che i millenials non sembrano mostrare lo stesso gene della generazione precedente in tema di collezionismo.
“Nessuno vuole più possedere nulla. Si tratta di fare esperienza delle cose, condividerle e essere-nel-momento. Dalla rivoluzione digitale, gli algoritmi prevalgono sul mondo fisico” .
L’affermazione non è senza peso.
Secondo un certo punto di vista, questa è una cosa magnifica che ha contribuito a far fiorire il crowdsourcing e il riutilizzo di materiale per produrre nuovi oggetti, ad esempio. Secondo un altro, non è una buona notizia : il mercato dell’arte si affida al culto del possesso. Un collezionista che non vuole possedere non è un collezionista .
Questo passaggio dalla proprietà a una sorta di economia condivisa, in cui ad esempio funzionano compagnie come Uber e Airbnb, è all’ordine del giorno dei temi importanti per i leader del mercato.
Un consulente d’arte si chiede : l’arte del futuro sarà più un oggetto di esperienza? Si venderanno esperienze ?
Mark Spiegler, direttore generale di Art Basel, la fiera più importante e trendy al mondo, dice che non si dovrebbe sopravvalutare questa tendenza dei tempi che arriva anche nel mercato dell’arte , ma va sicuramente tenuta in considerazione .
Ci sono alcuni effetti positivi per l’arte in tutto questo: se da un lato la ‘feticizzazione‘ dell’unico potrebbe essere in diminuzione, i lavori in molteplici edizioni, quali fotografia, stampe e ceramiche, sono sempre più popolari e aiutano ad espandere l’appetibilità del mercato artistico.
Alcuni Musei, inoltre, invitano i visitatori a condividere su Instagram i lavori esposti, che ancora una volta è segno di democratizzazione dell’audience potenziale per l’Arte.
Condividere e supportare diviene più interessante dell’acquisire o dell’investimento finalizzato alla speculazione, come afferma Alain Servais, membro di FRIENDS OF LISTE, un brillante programma che ha ridotto le spese per le mostre di dieci delle gallerie della Liste art fair di quest’anno.
Gli intermediari d’arte, fra i quali anche i consulenti d’arte, stanno sperimentando modi di monetizzare le esperienze (c’è gente che paga fino a 50 $ al giorno per l’esperienza di vedere i dealers vendere arte a Basilea durante Art Basel ).
Il punto in forse è cercare di quantificare quanto esattamente questo cambiamento macro economico cambierà il mercato dell’arte. E’ una nicchia di mercato e le basta una manciata di compratori buoni per tener su le apparenze.
Ancora, quindi, spiega Spiegler,” le gallerie e gli artisti che possono fare del comprare e possedere arte un ‘esperienza, hanno un futuro naturale garantito”
Questa tendenza quasi immateriale è molto interessante per un consulente d’arte che sia attento ai movimenti spesso sotterranei e impalpabili dei trends artistici.
La frase di Jimi Hendrix “have you been experienced?” appartiene più che mai all’attuale nicchia dell’universo economico-artistico. *
*in Fair Dailies, www.theartnewspaper.com
Jeff Koons disegna nel 2017 la seconda collezione di borse firmate Louis Vuitton .
L’intersezione fra due mondi sempre più vicini è per la seconda volta dimostrata dalla linea Masters, in cui Koons, tra gli artisti contemporanei più influenti nel mondo dell’arte, sottolinea il legame personale con ciascuno degli artisti omaggiati.
Ha affermato ‘quando qualcuno passeggia per strada o siede in un cafè indossando una di queste borse, sta davvero comunicando l’amore verso l’umanità’ .
Al di là delle affermazioni personali dell’artista dei ‘Puppies’, una collezione di questo tipo sottolinea la tendenza mondiale alla brandizzazione dell’arte e in generale di ogni prodotto di lusso.
Una borsa è un oggetto d’uso che ha un valore aggiunto , quando si tratta di un’icona come Louis Vuitton : prestigio, durata, lusso, eleganza, stile sono tutti simboli che, come direbbe Cassirer a proposito del fatto che siamo animali simbolici, accompagnano il compratore nella scelta di un prodotto eloquente e riconoscibile come questo.
Da Boucher a Gauguin, da Manet a Monet, da Poussin a Turner : artisti mito presenti nell’immaginario collettivo arrampicati su borse altrettanto presenti in un immaginario planetario di fashion victims.
Aggiungere omaggi all’arte aggiunge eternità e valori simbolici ad un oggetto che, per quanto durevole e prestigioso, non ha certo a che fare con l’eternità o l’immortalità di un capolavoro pittorico.
Contro la moda mortifera che cede il passo al tempo, si scelgono opere d’arte che si fanno Pop ma che si intrecciano al design di moda come in una sorta di yin e yang.
Brand everywhere, è la parola d’ordine. Con il timbro autoritativo ma anche leggiadro delle ninfee di Monet.
Un’estate ricchissima a Parigi per gli amanti dell’arte, con mostre di grande pregio e artisti celeberrimi quanto talentuosi.
In occasione degli 80 anni di Guernica, al Musée Picasso fino al 29 luglio, è in programma una mostra che studia a fondo la storia del celebre dipinto approfondendo anche la visione politica di Pablo Picasso.
Il grande romantico dell’arte francese, Eugène Delacroix è protagonista per Parigi 2018 al Musée du Louvre fino al 23 luglio.
Monet come precursore dell’astrattismo e dell’espressionismo astratto è esposto al Musée de l’Orangerie fino al 20 agosto: si traccia un parallelo tra le ninfee di Monet e l’astrattismo della scuola di New York, da Pollock a Rothko. Alcuni tratti delle ultime ninfee sono quasi degli esempi di Espressionismo Astratto ante-litteram e come tali preziosissimi anticipatori di un’epoca e di una scelta stilistica.
Anche Parigi celebrerà i cento anni della morte di Klimt, con un ” Viaggio nel cuore della Secessione Viennese ” all’Atelier des Lumières a partire dal 13 aprile.
Altro centenario, quello di Egon Schiele (morto nel 1918), sarà ricordato con una mostra alla Fondazione Louis Vuitton dal 3 ottobre.
Il cuore dell’arte Novecentesca in una sola città. Imperdibile calendario di bellezza.
Il corpo: sempre più sede e depositario di un marchio identitario, sostituito al volto come fisiognomica rivelatrice del tratto di personalità, come terreno di indagine di ciò che da familiare diviene inquietante, perturbante ( uncanny), per dirla à la Freud .
Il volto, dal Rinascimento, era sede dello studio dell’anima, basti pensare a quel meraviglioso capolavoro che è il ‘Doppio Ritratto’ attribuito a Giorgione , esposto a Roma in Palazzo Venezia. Datato fra 1500 e 1510, è un unicum fino a Caravaggio; così, nel ’79, Ballarin definiva quest’opera incredibilmente suggestiva, un ritratto involontario, si può dire, non idealizzato, inteso come medium che rivela l’anima nella sua essenza, che sviscera i significati più profondi dell’esistenza contrapponendosi all’accademica ritrattistica ufficiale.
Il corpo diviene regno di Identità, dopo Freud, diviene sede di pulsioni, di emozioni, di slittamento di senso, dal suo interno alla carne, alla pelle.
Vanessa Beecroft gioca col corpo femminile, rifacendosi al Rinascimento, mediante meravigliose vestali immerse in tuniche bianche, che le rendono come elementi organici della natura, quasi diafane e trasparenti, in cui il corpo seminascosto e al contempo rivelato dai panneggi minimali raggiunge una dimensione corale unica, senza coreuta, l’eterno femminino che dal classicismo arriva al post-moderno, con volti diafani o nascosti. Un misticismo sensuale, in performances che sono danze emozionali in cui l’Io è allo specchio, uno specchio senza tempo, senza doppi, senza enigmi, nella sua essenza materiale che ha il soffio dell’eternità.
Gioca anche giochi più trasgressivi, Beecroft: è l’artista dei corpi le cui opere sfuggono a una qualsiasi definizione classica. Performances in cui le immagini viventi, realizzate con ragazzi seminude, spesso immobili, sono simbolo della nostra contemporaneità, una rappresentazione dei costumi del nuovo millennio raccontata attraverso corpi svestiti di modelle professioniste, immortalate e fermate attraverso scatti fotografici e video .
Il corpo è assolutamente il protagonista.
C’è un corpo sacro. La bellezza femminile è indagata nelle sue molteplici sfaccettature, nella sua fisicità, nel rapporto con l’Arte del passato. Il corpo è arte, l’ Aura di queste performances sta nell’essere dimensioni eterne del femminino, pur nella dimensione temporale ‘di passaggio’ che le caratterizza per forza di cosa, per la natura stessa di una performance.
Il corpo e la bellezza della Beecroft si riferiscono alla pittura di Botticelli e di Lippi, si intrecciano con motivi autobiografici ( e questo è sempre vero in un genere come la Performance) e con suggestioni derivanti dallo spazio circostante, con rigorosa attenzione all’impianto scenografico e figurativo, che rende la performance più vicina alla pittura che all’azione vera e propria .
Scultura e performance si attuano in questo altare sacro dell’apparire, in questa dimensione corale di memoria greca ( e dunque , catartica) e vengono ulteriormente stigmatizzati con la ripresa fotografica e video, espedienti mediatici che completano l’ “eternità” connessa alla sua ricerca, principalmente rivolta al corpo femminile e alla condizione femminile, il cui medium è appunto ‘the body’.
Con il corpo, attraversa alcuni degli aspetti più controversi e intriganti della realtà sociale e culturale di oggi, tra cui il rapporto tra cibo e sessualità e l’ossessione per la bellezza e la forma fisica, fino alle conseguenze più tragiche dell’anoressia.
Con la Body Art il corpo, considerato quasi sorgente inesauribile di ogni atto di vita, tenta di riappropriarsi di quanto gli è stato sottratto nell’anonimia e nell’artificialità dell’universo contemporaneo.
Il luogo in cui opera la Beecroft si trova nel precario punto di intersezione fra il corpo stesso, giocato in prima persona, e la registrazione meccanica, fra la diretta attività fisica e l’immagine tecnologica ( foto, film, videotape) .
Emblematica della ricerca estetica di Vanessa, la Maternità in tre momenti, in cui il bianco e il nero della pelle si intrecciano con il rosso e il nero delle vesti, in cui il tema dell’uguaglianza si intreccia con il tema del valore estetico dell’arte ( la scelta dei colori nelle vesti ad esempio ), in cui tre maternità diverse sono acccomunate da una duplice maternità, da un doppio figlio, rispetto alle maternità sacre tradizionali, che sono sconvolte sia nei colori del bambino sia nel numero.
La maternità sacra è il topos visivo più inflazionato e famoso della storia dell’arte Occidentale dal cristianesimo in poi; in Vanessa Beecroft rivive un nuovo Rinascimento, inteso come valore estetico divergente ma anche valore intrinseco divergente, in cui diversità e alterità si sostituiscono alla tradizione e alla regola. Sono Madonne attraversate dall’ago e dal filo di Louise Bourgeois, senza una connessione a Freud così lampante, ma certamente un ago e un filo che cuciono una nuova veste femminile, quella della libertà, pur nel rispetto di un’estetica che però è un ‘estetica capace di divergere, di differire.
C’è, poi, un corpo-brand. Un corpo marchio. O marchiato , si può affermare. Un doppio intreccio di corpi, doppi anche nel colore ( di nuovo, pelle bianca e pelle nera ): bianchi e neri acccostati come spunto di riflessione e nell’ironica disposizione spaziale che fa indubbio riferimento al marchio di Louis Vuitton . I corpi nudi bianchi formano la L e i corpi nudi neri formano la V.
La riflessione della Beecroft in questa immagine è sull’identità del corpo nella società occidentale dominata dal Marchio, dal sistema della Moda, sulla possibilità dell’identità singola ( resa individuale al massimo attraverso la scelta della nudità, primitiva e arcaica, in netto contrasto con la contemporaneità e l’artificio del brand ) di sopravvivere, se perfino corpi nudi si incastrano in modo da inneggiare a una finta coreografia di danza che è in realtà un tributo a una griffe famosa, resa ancestrale . Nudità e brand si incastrano in un rimando senza inizio e senza fine, senza causa né effetto : il brand è umanizzato dal corpo in flesh&bones, come fosse così attuale da essere davvero vivente, e la nudità è azzerata, marmorizzata dall’essere impostata come un brand. Somma zero : niente prevale. L’intreccio è ineluttabile, l’arte diventa brand, il brand diventa arte, il corpo diventa arte e brand al contempo.
Le singole identità fanno sì parte di un ingranaggio che fagocita e schiaccia, che tende ad appiattire e a svuotare per lasciare spazio a significati artificiali e commerciali legati al Sé ; ma è anche vero che il brand diventa organico e viene smitizzato in questa connessione con la carne nuda, una sorta di ‘pasto nudo’ alla William Burrough . Non si sa se la Moda divori il corpo o il corpo si unisca ad essa senza perdersi.
Apre domande, Beecroft, e dona sicuramente risposte estetiche, in cui il ‘sentire’ è appunto primario, indispensabile, riossigenante.
Picasso , 1932 . Amore, Fama , Tragedia: la prima mostra personale che la Tate Modern gli dedica, facendolo in grande stile. Faccia a faccia con oltre 100 dipinti, sculture e disegni, frammisti a materiale fotografico e sguardi sulla sua vita privata.
Ogni mito su Pablo è spazzato via per leggere l’uomo e l ‘artista nella sua complessità e nelle sue sfaccettature.
Disse : ‘dipingo nello stesso modo in cui alcuni scrivono la loro autobiografia. I dipinti, compiuti o incompiuti, sono le pagine del mio diario personale’.
La mostra è imperdibile, curata da Acchim Borchardt-Hume, in collaborazione con il Museo Nazionale Picasso di Parigi.
1932,un anno davvero intenso per il padre del Cubismo .
Lo squisito Nudo su poltrona nera mostra una bellezza bilanciata e una tale sensualità che non c’è altra scelta che fermarsi e guardarlo. Più si guarda, più si ‘vede’. Dapprima, si vede una donna nuda reclinata su una sedia nera, sotto un sole fiero, visibile dietro una finestra parzialmente nascosta da foglie di una pianta d’interno. Tiziano, Manet e Matisse rispettivamente con Venere, Olimpia e L’Odalisca con Magnolia sono presenti con evidenza nell’opera. Nascosti fra le righe. Emerge poi la storia personale di Picasso : tracce del blu dal suo primo periodo, parti disgiunte del corpo che echeggiano gli anni cubisti, linee tratte dal suo primitivismo post-bellico e quel tratto sognante proveniente dall’interesse recente per il Surrealismo .
In realtà, in ultima analisi, è il suo animo che emerge nel capolavoro e ipnotizza: poetico, erotico, perfino sonoro. E’ un dipinto d’amore fluidamente emesso nelle linee armoniose dell’artista e nell’ equilibrio dei suoi colori .
Attraverso la mostra, si guardano capolavori ma anche lavori , come scrive Will Gompertz per BBC News , molto meno ben riusciti, il che è quasi un sollievo, scrive scherzosamente, dato il genio senza confini dell’artista in questione . Ne emerge un Picasso geniale e un Picasso più umano, sperimentatore.
E’ certo una mostra che offre in visione una sorta di ‘cosa sta succedendo qui ?’ , domanda che riguarda l’anno 1932: era ciò che forse si chiedeva il pittore stesso , nelle sue sperimentazioni a volte riuscite a volte meno, ma certamente così oltre i confini da essere incomparabili per l’ audacia della ricerca . Un anno impressionante per il livello dei lavori creati, senza dubbio.
Ci si chiede quale pittore oggi sfidi il mezzo nello stesso modo in cui Picasso seppe farlo 80 anni fa .
Di fronte alle opere in mostra, la certezza sulla grandezza del suo essere artista è evidente.
Il 1932 fu un anno straordinario per Picasso: i suoi dipinti raggiunsero un tale livello di sensualità e perfezione che decretarono definitivamente il suo status di titano dell’arte.
Fu un anno importante anche dal punto di vista sentimentale: cercò di mantenere un equilibrio tra la moglie Olga Khokhlova e il figlio di 11 anni e la sua storia d’amore con Marie-Thérèse Walter, di 28 anni più giovane di lui. La mostra fa rivivere queste complesse dinamiche artistiche e personali attraverso una serie di straordinarie opere, alcune delle quali mai esposte prima e parte di prestigiose collezioni private.
